Sorti en mars 1980, Duke marque un tournant décisif dans la carrière de Genesis, un groupe alors en pleine mutation. Après le départ de Peter Gabriel en 1975, puis celui du guitariste Steve Hackett en 1977, Genesis s’était peu à peu éloigné de ses racines progressives pour explorer des sonorités plus accessibles. Duke, leur dixième album studio, incarne parfaitement cette transition, mêlant ambition artistique et désir d’ouverture au grand public. Il n’est ni une rupture brutale avec le passé ni une soumission aux diktats de la pop naissante, mais plutôt un savant dosage entre complexité musicale et immédiateté mélodique.
L’album s’ouvre sur Behind the Lines, une introduction aux accents épiques qui annonce la couleur : Genesis n’a pas complètement tourné le dos à ses élans progressifs. Ce morceau, avec ses claviers flamboyants, sa rythmique martelée et ses multiples changements de dynamique, évoque à la fois l’énergie du rock et la sophistication des arrangements chers au groupe. Dès les premières secondes, Phil Collins impose sa voix, à la fois assurée et émotionnelle, donnant une nouvelle dimension à la musique de Genesis. On sent ici une inspiration personnelle, portée par les épreuves de l’époque — notamment le divorce récent de Collins, dont l’ombre plane discrètement sur l’ensemble de l’œuvre.
L’enchaînement avec Duchess illustre à merveille la maîtrise de la narration musicale propre au groupe. Ce titre raconte l’ascension et la chute d’une star de la chanson, mais c’est aussi une allégorie à peine voilée sur la célébrité, les compromis artistiques et le prix du succès. Les sons électroniques y occupent une place de choix, en particulier la célèbre boîte à rythmes Roland CR-78, qui apporte une texture à la fois novatrice et mélancolique. On y décèle une sensibilité presque new wave, sans que cela ne paraisse forcé. Genesis parvient ici à fusionner ses ambitions narratives avec une forme plus concise, sans sacrifier la profondeur du propos.
Guide Vocal, morceau court et contemplatif, agit comme une respiration au sein de l’album. Portée par la voix fragile de Collins et des nappes de claviers suspendues, cette pièce évoque une profonde introspection, presque douloureuse. Elle constitue en réalité un fragment de la Duke Suite, un ensemble de morceaux initialement conçus comme une longue fresque progressive. Le groupe a toutefois choisi de morceler cette suite et de la disperser à travers l’album, afin de maintenir un équilibre subtil entre expérimentation et accessibilité. Reconstituée dans l’ordre — Behind the Lines, Duchess, Guide Vocal, Turn It On Again, Duke’s Travels et Duke’s End — cette suite forme une œuvre cohérente et ambitieuse, digne héritière des grandes fresques du rock progressif. Elle narre l’histoire d’un personnage imaginaire, Albert, figure allégorique du musicien en quête de sens dans un monde désenchanté. Ce fil narratif confère à Duke une profondeur insoupçonnée, et ajoute une dimension conceptuelle à un album souvent perçu comme le tournant synth-pop du groupe.
Mais Duke ne se résume pas à ses velléités conceptuelles. Le morceau Turn It On Again incarne à lui seul le virage pop-rock amorcé par Genesis. Porté par un riff entêtant et un rythme asymétrique en 13/8 — difficile à appréhender pour l’oreille non avertie —, il réussit néanmoins l’exploit de sonner comme un tube instantané. C’est là toute la force du groupe à cette époque : faire du complexe qui sonne simple. Ce titre deviendra l’un des plus emblématiques de leur répertoire, systématiquement joué en concert, repris en chœur par un public fidèle.
À l’opposé des envolées instrumentales et des constructions complexes, Alone Tonight et Please Don’t Ask révèlent une facette plus intime du groupe, centrée sur la voix de Phil Collins, qui semble porter à elle seule le poids de blessures personnelles encore à vif. Please Don’t Ask, en particulier, porte les stigmates d’un divorce douloureux. En quelques strophes sobres, Collins y livre l’un des moments les plus poignants de l’album, entre maladresse émotionnelle et lucidité désarmante. Cette vulnérabilité assumée esquisse déjà le ton intime de Face Value, son premier album en solo. Quant à Misunderstanding, avec ses accents californiens, il semble taillé sur mesure pour séduire les radios américaines : un tube FM en puissance, aux sonorités évoquant à la fois Hold the Line de Toto et les harmonies sirupeuses des Beach Boys. Plus linéaire dans sa structure, ce morceau tranche avec les ambitions progressives de l’album, tout en renforçant l’attrait commercial du groupe outre Atlantique.
Un autre moment fort de l’album est Man of Our Times, plus sombre, presque martial, avec ses riffs pesants et sa rythmique mécanique. Il rappelle que Genesis sait aussi manier la tension et la gravité, dans une esthétique parfois proche de la cold wave, tout en restant fidèle à son identité. C’est un morceau qui surprend, surtout par sa production rugueuse, moins léchée que le reste de l’album. Heathaze, quant à lui, est un joyau méconnu, une méditation sur la perte de repères et l’illusion du bonheur. Le texte, signé Tony Banks, est d’une subtilité rare, et la musique l’enrobe dans une atmosphère presque pastorale.
La fin de l’album, marquée par Duke’s Travels et Duke’s End, boucle la boucle. Ces deux pièces instrumentales — ou presque — redonnent à Genesis toute sa dimension épique. On y retrouve les élans de clavier grandioses, les changements de tempo, la virtuosité discrète, sans esbroufe. C’est un adieu temporaire au progressif, comme si le groupe voulait rassurer les fans de la première heure : nous n’avons pas oublié d’où nous venons.
Duke est donc un album charnière, un pont entre deux ères. Il marque la fin d’une époque — celle du rock progressif pur et dur — tout en annonçant les succès mainstream à venir pour Genesis. C’est aussi un album personnel, où transparaît la douleur de Phil Collins et l’introspection d’un groupe en quête de renouveau. Moins complexe que The Lamb Lies Down on Broadway, moins accessible que Invisible Touch, Duke trouve une place unique dans la discographie du groupe. Il est à la fois émouvant, audacieux et étonnamment moderne. Un disque souvent sous-estimé, mais qui mérite pleinement d’être redécouvert, à la lumière de ce qu’il a apporté : un nouvel équilibre entre exigence artistique et efficacité pop.
Note : [sur ⭐️⭐️⭐️⭐️⭐️]
⭐️⭐️⭐️½
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